CUADERNOS DE PINTOR

En una ocasión, mi amiga pintora Mamen, a la que aprecio mucho, me enseñó su cuaderno de notas; con silencio quieto, aunque ella sonreía algo incómoda, y yo con los ojos como platos esperando lo que quería enseñarme y que ella consideraba como su tesoro. Descubrí unos dibujos magníficos, rápidos y espontáneos,  notas y demás cosas propias de las reflexiones de un pintor. Os animo a ir descubriendo cuadernos de pintores, son grandes joyas.

Durante mucho tiempo los propios pintores evitaron mostrar al público sus libretas personales, consideradas obras de investigación y parte del ámbito del taller. Serían los cuadernos de viajes de autores románticos como Delacroix o Turner los que por primera vez despertaron la atención de la crítica y de los coleccionistas. No obstante fue a partir de la segunda mitad del pasado siglo cuando el interés por este tipo de trabajos iba a ir en aumento de forma exponencial, con artistas que han desarrollado las múltiples posibilidades expresivas del medio vinculándolo al “underground” norteamericano, a la narrativa experimental o a la novela gráfica.

Antón Patiño - Pintor y escritor , los considera una herramienta esencial e insustituible en su trabajo, hasta el punto de “no entender el proceso de creación sin ellos”. La libreta es para él un “compañero de viaje” en el que deja a diario testimonios, estímulos y que, gracias a su tamaño, “permite una inmediatez y ofrece una dimensión de libertad que no existe en el lienzo”. Desde hace unos años, para Patiño los cuadernos de pintor tienen “una categoría central” y confiesa que le roban mucho tiempo: “El cuaderno es un tiempo sin tiempo y me quedo absorto en él. Es agotador porque supone un ejercicio de miniatuarizar el mundo, pero el resultado es muy gratificante”. Sus cuadernos son de muy distintos tamaños pero todos de tela negra –“objetos de luto”– solo adornada con un recorte en la tapa que llamó la atención del artista y sobre el que realiza su propia recreación. En la primera página, un título poético como el que sostiene ahora: “Caosfera”. Patiño recurre a menudo a las páginas de sus cientos de cuadernos y son un verdadero “motor de creación”. Sin embargo, no son solo meros apuntes o bosquejos, sino que para Patiño tienen “plena autonomía como obra”. De hecho, uno de los cuadernos de juventud del autor lucense, “El libro esquizoide”, forma parte de la colección permanente del Museo Reina Sofía de Madrid.

Y hace poco leía la noticia de que los cuadernos de Paul Klee se digitalizaban. Los diarios del pintor suizo muestran una belleza que recuerda a cualquiera de sus obras de arte. La personalidad de Paul Klee se plasma en todas sus obras artísticas: belleza, agudeza, ironía, inteligencia y reflexión. 

El gran artista de la lingüística visual, uno de los grandes artistas del siglo XX, inventó una categoría artística en la que los elementos figurativos no desaparecen por completo y hay ínfimas entidades vivas en las transparencias coloreadas de cada dibujo.  El pintor suizo dejó 9.000 piezas de arte de esa categoría, que conforman hoy una de las cartografías de signos más valiosas del arte. Todas ellas están acompañadas de escritos. Uno de los más conocidos son los Paul Klee Notebook (The Thinking Eye y The Nature of Nature), diarios personales del pintor donde se reúne ensayos sobre arte moderno y conferencias que impartió en la década de los 20 en la escuela de la Bauhaus. El Zentrum Paul Klee digitalizó aproximadamente unas 3.900 páginas de sus diarios. Todas ellas, escritas en alemán, están acompañadas de unos dibujos de gran belleza y conforman una de las mejores series de cuentos grafológicos del mundo del arte.

Os invito a descubrir unos cuadernos de viaje muy especiales, los que me han marcado y son los de MIGUEL ELIAS SANCHEZ,  son espectaculares. Profesor en la Universidad de Salamanca e incansable artista, pintor, dibujante,... me impresionaron de una manera significativa. Tras verlos en su blog, quedé asombrada  con su cuaderno que hizo cuando visitó el museo MUBAG de Alicante, y es que no daba crédito de tanta espectacularidad.


http://cuadernosdepintor.blogspot.com.es/

Miguel Elías Sánchez.

Espero que lo disfrutéis. Hasta pronto ¡

LA PRIMERA MANCHA AL OLEO

LA PRIMERA CAPA EN LA PINTURA AL OLEO

Hay que resaltar que esta técnica, es la más utilizada, pero no la única. Sirve para trabajar a partir de un lienzo en blanco. Además es una manera de enfrentarnos al blanco del lienzo que tanto miedo nos puede dar, en algunos momentos.

La primera capa de pintura que debemos aplicar a nuestra obra se conoce como la MANCHA. Digamos que supone una vista general de los colores de la obra a pintar. Lo más importante a tener en cuenta en esta etapa es que cubriremos el lienzo con color, acercándonos al color de los objetos, pero no tratando de llegar al color exacto todavía. Esta primera capa busca cubrir el blanco del lienzo y las siguientes capas, que tendrán más óleo, si deberemos poner atención a nuestras mezclas. 

Cuando pintes la primera mancha, no te preocupes por lograr detalles, solo trata de que los elementos que conforman tu tema a pintar sean comprensibles, mantengan su proporción y respeten su forma.

Tres pasos para conseguir que esa mancha nos dé el resultado deseado: 

1.-Esta primera capa se aplica con bastante trementina, se verá como una acuarela, tal como lo ves en la imagen, el color es suave y para que sea más claro solo será más aguado. En esta capa evitaremos mezclar blanco en la mezcla de colores, ya que no queremos apagar los colores desde esta primera capa. Podemos utilizar una paleta con pocos colores, suaves pero evitar el blanco y el negro.

2.-No nos preocuparemos en los detalles, esta capa no suele cubrir el dibujo. Ya que el óleo es bastante transparente y dejará que veamos el dibujo que hemos realizado, así podremos corregirlo si fuese necesario.

3.-Lo más importante: debemos poner atención al volumen, haremos mezcla de colores para las sombras, así como para el color local del objeto, pero las luces las podremos obtener limpiando con un trapo el color del lienzo y dejando la transparencia del lienzo en blanco, así como se ve en la imagen.

Tras esta etapa debemos dejar secar completamente la pintura por 2 o 3 días, es lo recomendable. En mi caso, utilizo mucha trementina con lo que el secado es muy rápido y en 30 min. ya puedo seguir pintando.

Tras la mancha, viene el semiempaste, será con oleo más grueso utilizando como disolvente la trementina y aceite de linaza en igual proporción. Esta capa cubrirá más, podemos utilizar el blanco y trataremos de acercarnos al color del modelo lo más posible.

La calidad del primer manchado, va a depender de la experiencia que tengas pintando. Los artistas más experimentados logran un primer manchado con formas y volúmenes de muy buena calidad.

Seguramente si te estás iniciando en la pintura al óleo tus primeros manchados no serán tan fieles al tema original. No te preocupes, con la práctica vas a ir mejorando, hasta que logres los resultados deseados.

Espero te sea útil esta información, y te sirva en tu próxima sesión de pintura al óleo.

TAMARA DE LEMPICKA

 The blue scarf. 1930. La bufanda azul. Colección privada.

Hoy decido hacer un post dedicado a Tamara de Lempicka. He leído varios libros sobre ella, y puedo aseguraros que nadie queda indiferente ante su obra ni ante su intensa vida. Criticada por muchos por su manera de vivir e idolatrada por otros por su poder de seducción, yo me quedo con su OBRA, aunque para entenderla haya que conocer la situación y momento en el que se encontraba nuestra artista, y poder disfrutar de su legado.
Sólo comentar que a Tamara le encantaba jugar a poner fechas equivocadas y confundirnos. A veces no fechaba sus obras, con lo que es difícil disponer de una cronología cierta. 
Espero que lo disfrutéis.

Pintora, diseñadora,  extravagante, seductora, dominante, excéntrica, con un gran talento, elegante, hermosa, mundana, sofisticada, depresiva, anticomunista... se convirtió en el fascinante símbolo de toda una época; desarrolló un estilo enigmático y personal adscrito al Art Decó aunque técnicamente en pintura. Posiblemente la pintora más famosa del período Art Decó; su técnica era novedosa, limpia, precisa y elegante.

La pasión por el arte

María Górska conocida como Tamara de Lempicka, nació en 1898, en Varsovia , Polonia,(aunque para algunos autores nació en Moscú en 1902) en el seno de una rica familia de la alta sociedad. Inquieta y con carácter, María se educó en un internado de Suiza y vivió una infancia feliz hasta que sus padres se separaron. Fue entonces su abuela, mujer adinerada que vivía en San Petersburgo (Rusia), quien se hizo cargo de ella. En 1910 pinta su primer trabajo: el retrato de su hermana. En 1911 viaja con su abuela a Italia donde descubre su pasión por el arte, quedando impresionada por el Renacimiento italiano (Miguel Ángel, Botticelli, Bellini, Pontormo, Antonello da Messina...)

La separación de sus padres no impidió que María dejase de vivir una vida acomodada. Estudiaba en Suiza y pasaba las vacaciones en San Petersburgo (Rusia).

Tamara de Lempicka. 1928

             
De San Petersburgo a París

En una de sus estancias en la ciudad rusa, María conoció a un rico abogado polaco, Tadeusz Lempicka (1888-1951), del que se enamoró.

Acababa de estallar la Primera Guerra Mundial en 1914 pero la contienda no afectó a la pareja que vivió unos años de luna de miel. En 1916 , a la edad de 18 años, se casó en San Petersburgo con Tadeusz Lempicka ( o Łempicki) , con quien llevó una vida lujosa. Es de su marido Tadeusz del que toma el apellido con el que todo el mundo la conoce.

Tras su salida de la Rusia revolucionaria, Tamara de Lempicka, con apenas veintitrés años, vive en Copenhague, y empieza entonces una activa vida sexual con múltiples compañeros de ocasión, aceptada con resignación por su marido Tadeusz. Hasta que estalló en 1917 la Revolución Bolchevique ; Tadeusz resultó encarcelado por las fuerzas bolcheviques, pero Tamara lo sacó de prisión y se trasladaron a París, donde fijaron su residencia. 
Me sorprende la cantidad de dibujos que realizaba y que hoy se conservan, eso si, en manos privadas.

Portrait of Ira Perrot.1922. Crayon on paper.

Nude Leaning onn the Elbows.1922.Crayon on paper.

La fama en París

En París, en 1923 nace su única hija, Kizette. 

Al principio, los Lempicka vivieron durante un tiempo de la venta de joyas de la familia. Tadeusz no consiguió encontrar trabajo, con lo que se producían tensiones en el hogar, agravadas con el nacimiento de Kizette.
Durante esos años, Tamara recibía clases de pintura de ANDRÉ LHOTE (pintor cubista). Estudió bellas artes y trabajaba día y noche en su obra.

Abstract Composition 1923. Watercolor on paper.

Reclining Nude.1924. Colección privada.

Para su primera exposición importante, en Milán en 1925, con el auspicio del conde Emmanuele Castelbarco,  Lempicka pintó 28 trabajos nuevos en seis meses. Pronto se convirtió en la retratista más conocida de su generación entre la alta burguesía y la aristocracia, con sus retratos elegantes y glamurosos de duquesas, duques y personalidades de la sociedad parisina.

Es una mujer ambiciosa, fría, egoísta, que no desea renunciar a una vida de lujos. “Comencé a pintar porque lo necesitaba para vivir”. 

Tendía a llenar toda la tela, a aplanar la perspectiva... Sus pinturas, turbadoras e inquietantes, resultan frías, casi metálicas.

Para Emmanuel Bréon, conservador jefe del patrimonio, su obra es «un autorretrato permanente; ella y su pintura son la misma cosa. Tamara es un enigma, un extraterrestre. Sus pinturas surgen de ningún sitio. No se parecen a ninguna. Son imágenes publicitarias, cinematográficas». Recuerdan mucho al cine de Fritz Lang. Su imagen frívola piensa que le perjudicó a la hora de que la crítica la tomara en serio y la valorara: “Las malas lenguas dicen que lo suyo es un cubismo edulcorado “.

Irene and her sister.1925 .Oil on canvas.

High summer. 1928

En 1925 tuvo lugar la primera exposición de París, que muestra una nueva, y efímera, tendencia de lo que, cuarenta años después, se conocería como Art Déco. A partir de entonces, Tamara recibe en París a lo más selecto de la burguesía, es decir, a gente que destaca por su riqueza, casi siempre obtenida por medios sucios— y hasta la prensa se hace eco de la pintora  polaca— y de sus fiestas, de sus relaciones, de su vida mundana.  Pero Tamara mostró su obra al gran público y consiguió hacerse un nombre en el mundo de la pintura.

Su amor por las mujeres hermosas, los automóviles elegantes y la metrópolis moderna proporciona no sólo los motivos de sus cuadros, sino que también influyó en su estilo artístico.

Young lady with gloves. 1930

Más tarde viajó con Kizette a Italia para observar de nuevo el arte italiano. En 1927, "Kizette en el balcón" recibe el primer premio en la Exposición Internacional de Burdeos. Lempicka dio a luz a su hija a una edad muy joven, por lo que Kizette fue su modelo. Los cinco retratos a gran escala que le hizo, entre 1923 y 1933, siguen siendo uno de sus logros artísticos más notables.  

Kizette on the balcony.1927

Ahora era una pintora célebre en la Europa de los años treinta, al menos en los círculos de la rica burguesía, que disputaban para ser retratados por ella. Podemos ver fotografías de Tamara, en sus días de gloria, ataviada como una dama exquisita, adornados sus brazos con largos guantes negros y con un cigarrillo entre los dedos; también llevaba un collar de perlas, pieles en los hombros y un sombrero negro, pequeño: es la imagen de la mujer sofisticada que reinaba en los salones del gran mundo en la época de entreguerras en que el art déco tuvo un breve momento de esplendor.

Tamara de Lempicka.

Tamara de Lempicka

Deslumbrando con la deliberada sensualidad de su arte, se creó la leyenda de que antes de pintarlos se acostaba con los modelos.En alguna ocasión Tamara dijo: "...para mi inspiración ... me gustaba salir por las noches ... y tener un hombre guapo que me diga lo guapa que soy o lo gran artista que soy ... Yo necesitaba eso. Y yo tenía muchos, muchos " 

En su pintura suele aparecer vestidos y desnudos con alguna ligera modificación en peinado y  color del pelo pero repitiendo el perfil. Su estilo era de trazo grueso, fondo plano y miradas extraviadas.

Rythm.1924

The model. 1925

The slave. 1929

Voy a comentar algunos de los retratos más interesantes: el Retrato del Marqués Sommi, de 1925, uno de los amantes ocasionales de Tamara (aunque algunas fuentes lo dudan, dada la homosexualidad del marqués), y donde vemos al aristócrata italiano con pelo engominado y hombros rectilíneos.

Portrait of Marquis Sommi 1925.

El Retrato de la duquesa de La Salle, de 1925, la duquesa debe su título a su matrimonio, en 1905, con el duque de la Salle de Rochemaure. Este matrimonio no era del agrado de la familia y así terminó en divorcio, ganando la duquesa una pensión considerable. La duquesa siguió disfrutando del título y llevó una vida muy lujosa tras el divorcio.Las reminiscencias cubistas sólo aparecen como fondo ; lo dominante es el retrato de la duquesa , más o menos de tamaño natural , en traje de montar. Adopta una pose de indiferencia y está de pie, abierta de piernas, sobre una escalera con alfombra roja situada por encima de la ciudad ,como si fuera su dueña. El hecho de que el sexo de la mujer ocupe el centro del cuadro hace probablemente referencia a una sexualidad que ella misma decide: segura de si misma, con su pelo negro y violeta cortado a lo garçon , peinado con la raya en medio y pegado a la cabeza , personifica un tipo de mujer fuerte andrógina, que unos años después incorporará Marlene Dietrich .

Portrait of the Duchess of La Salle 1925.Oil on canvas.

El Retrato de André Gide, de 1925, donde sólo vemos el rostro del escritor, con los ojos casi cerrados, muy serio; el retrato de un personaje de quien nadie diría que frecuentaba los garitos de homosexuales y personajes equívocos. Ese encargo de Gide, un hombre ya célebre en los años veinte, fue el que empezó a labrar la fama de Tamara.

Portrait of André Gide.1925.Oil on cardboard.

Retrato del primer marido de Tamara, Tadeusz Lempicki, 1928 el hombre traicionado que protestaba durante los años de su vida común en París porque Tamara lo ponía en evidencia pintando a sus amantes, y no le gustaba su papel de consentidor: aparece con un abrigo negro, sombrero de copa en la mano, foulard blanco al cuello, y mira con seriedad: el retrato está inacabado (su mano  izquierda) , dicen que por venganza de Tamara.

Portrati of Tadeusz 1928

1928 Tamara pinta a Tadeusz, su marido.

Y Mujeres en el baño, de 1929, que recuerda a Ingres. 

Women Bathing.1929. Mujeres en el baño.

La paloma aparece por primera vez en el retrato de Lempicka de su hija como " el comulgante "; se repite en varias obras. El pájaro de Afrodita representa el símbolo de la pureza y la paz y también el deseo. Esta pintura ambiciosa, que en cierto modo recuerda a " Ritmo “, fue sólo parcialmente terminada. Su tema simbolista es una reminiscencia de los prerrafaelistas.
 

The communicant. 1928.

Los personajes retratados parecen tener una ausencia vital deliberada: no es que hayan sido sorprendidos en aquella posición, sino que prescinden del espectador, de quien los mira, porque tienen una actitud elitista ante el mundo, que refleja la propia mirada de Tamara. Sus personajes son fríos, distantes, aunque se dejen ver; les gusta saberse admirados, pero rechazan entrar en contacto con el populacho. Apenas hay gentes del pueblo llano en los cuadros de Tamara. 

Ella misma tuvo años de estrecheces y bohemia, pero eran años de juventud, y todo era aún posible. Su propia vida, y la de los personajes que retrata, transcurría así, como en sus cuadros, rodeada de un mundo donde los problemas atenazaban siempre a otros y estaban lejos.

Efectivamente en los años 20 en París, Tamara formó parte de la vida bohemia. Conoció a Picasso, Cocteau, Gide. Sus aventuras amorosas tanto con hombres como con mujeres eran un escándalo en aquella época. Utilizaba elementos formales y narrativos en sus retratos y desnudos para producir efectos poderosos de deseo y seducción. También en los años 20, Tamara estuvo asociada con mujeres lesbianas y bisexuales de las artes y la literatura como Violeta Trefusis, Vita Sackville-West y Colette. 

Obsesionada con su trabajo y su vida social,  Lempicka no sólo descuidó a su marido, sino también a su hija, a quien veía rara vez. Tamara descuidó a su hija pero también la inmortalizó. De Lempicka la pintó repetidas veces, como he comentado anteriormente, dejando una fantástica serie de retratos, incluso en otras obras, las mujeres retratadas también tienden a parecerse a Kizette.

A mí personalmente me atrae el retrato del Doctor Boucard; fue un médico y además un entusiasta coleccionista de obras de Lempicka.
¿No os parece fabuloso?.

Portrait of Doctor Boucard.1928

Tamara de Lempicka en su autorretrato de 1929 "Tamara en Bugatti verde " (su cuadro más conocido), recuerda la trágica muerte de la bailarina estadounidense  Isadora Duncan que murió estrangulada en 1927, cuando su largo chal se enredó en una de las ruedas posteriores de su Bugatti; lo realizó para la revista alemana de moda Die Dame.  “El autorretrato de Tamara de Lempicka es la imagen real de una mujer independiente que se hace valer. Una mujer libre", comentó un periodista.

My Portrait.1929. Oil on wood panel.

Saint Moritz.1929

También es interesante comentar sobre su sentimiento religioso, intrínseco a la naturaleza de Tamara de Lempicka,y  comenzó a mostrarlo a través de su obra  como "Madre y el Niño " y este sentimiento fue incrementándose al final de su vida ; Lempicka elogió su alma a Dios a través de sus numerosas réplicas de Madonna y San Antonio.

Mother and child.1931

Santa Teresa de Avila. 1930

De París a América

En 1929 se divorcia de Tadeusz, a pesar de que Tamara se opone.

Su mecenas el Barón húngaro Raoul Kuffner, un coleccionista de su obra y descendiente de una rica familia de cerveceros húngaros y criadores, en 1928 visitó su estudio y le encargó un retrato de su amante. De Lempicka terminó el retrato y tomó el lugar de su amante en la vida del barón.

Empieza entonces su nueva vida en la rue Méchain, de París, donde permanecerá hasta 1939. Son sus años de gloria. Conoce a muchas celebridades, desde André Gide a Greta Garbo, y empieza a conseguir verdaderas fortunas por la venta de sus cuadros, como la que cobra por el encargo que le hace el millonario norteamericano Rufus Bush, gracias al cual visitará Estados Unidos, en 1929, durante cinco meses.  Este fue su primer viaje a E.E.U.U.

Portrait of baron Kuffner. 1928

The Sleeping Girl.1930. La muchacha durmiente.

Idyll. 1931 Idilio.

Adam and Eve.1931

Portrait of count Vettor Marcello.1933

Woman with mandolin. 1933

De Lempicka continuó su labor artística intensa y su vida social frenética durante la década siguiente. La Gran Depresión no la afectó en absoluto.  A comienzos de los años 30, pintó al rey Alfonso XIII de España y a la reina Isabel de Grecia. Los museos comenzaron a exhibir sus obras. 

En 1933, se casó con el barón Kuffner, un año después de haber fallecido su esposa, aunque Tamara no le ocultó su orientación sexual. El barón la alejó de la vida bohemia y la insertó en la alta sociedad con un título nobiliario incluido. Con gran visión, Tamara le hizo vender todas sus propiedades en Europa del Este para invertir el dinero en Suiza, prediciendo la llegada de la Segunda Guerra Mundial mucho antes que sus contemporáneos.

Con el tiempo, su obra también incluyó retratos de unos cuantos refugiados o personas comunes, y uno o dos santos, además de sus consabidos aristócratas y desnudos.

Con la llegada de la guerra, prestó sus servicios junto a muchos otros y consiguió sacar a Kisette de París, con la ocupación nazi, a través de Lisboa en 1941. Algunas de las obras de este período tienen cierto aire a las obras de Dalí, como se ve en Key and Hand, 1941. En 1943, la pareja de mudó a Nueva York, aunque viajaban con frecuencia a Europa donde el barón trabajaba para los refugiados.

Se hace famosa entre la burguesía neoyorquina y expone en varias galerías estadounidenses y europeas. En 1933 viaja temporalmente a Chicago y en 1938 se van a vivir a Beverly Hills.


Cambio de estilo

En 1960 Tamara adoptó un nuevo estilo, usando espátula en vez de pincel y empezó a experimentar con otros estilos abandonando el art decó para sumergirse en el abstraccionismo. Sus nuevas obras no fueron bien recibidas en la exposición realizada en 1962, con lo que de Lempicka decidió no volver a exponer su trabajo y se retiró de su vida activa como artista. La llegada del expresionismo abstracto y su edad avanzada dieron un alto a su carrera. En los años 50 y 60, ignorada, a veces volvía a pintar, trabajando obras anteriores utilizando la nueva técnica. Una gran cantidad de obras nuevas y viejas quedaban en el ático o en un depósito.

En 1962 moría el barón Raoul Kuffner. Tras la muerte del barón Kuffner, de un ataque cardíaco, Tamara vendió la mayor parte de sus posesiones para hacer tres viajes en barco alrededor del mundo. Finalmente se mudó a Houston para vivir con Kizette ya casada y con hijos. Los años que siguieron fueron difíciles, con Kizette como su manager, secretaria y factótum, bajo la personalidad dominante de Tamara.

Portrait of Baron Kuffner in old age.1954

Portrait of Kizette as an adult I. 1954

Abstract composition with flying leaves. 1955

Reconocimiento a su obra

Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos. Siguiendo la tendencia de la pintura Art Decó, pintaba mujeres etéreas, con ropajes flotantes y dedos largos, si bien dan una impresión férrea y escultural por la pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras; son sus mejores ejemplos, junto con los desnudos. Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general, y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto.Curiosamente, Tamara empleaba este eclecticismo o fusión de estilos antiguos para representar temas actuales, donde las figuras visten ropajes y peinados de última moda.

Aunque las imágenes más populares de su arte son desnudos y seguidamente los retratos (tanto de su hija como de la burguesía de París y Nueva York) también realizó cuadros de flores y bodegones, como los que os presento, que me parecen fantásticos.

Pitcher and lemons on a chair.1942

The bouquet of carnations.1932

Su estética ha atraído a estrellas del espectáculo como Barbra Streisand, Jack Nicholson y Madonna, de quienes se dice que coleccionaban sus pinturas. Madonna se inspiró en esta pintora para su video musical Vogue de 1990. También aparece un cuadro de Tamara en el de Open Your Heart  de la misma cantante. También se hizo una obra de teatro basada en su vida: en 1990 Pablo Sodor estrena en Argentina TAMARA (The living movie)   que recrea de una forma teatral nunca vista para entonces, la visita de la pintora a la casa del poeta  Gabriele d'Annunzio.

De Lempicka vivió lo suficiente para que, antes de su muerte, la nueva generación descubriera su arte y lo valorara con entusiasmo. En 1966 el Museo de las Artes Decorativas de París organizó una exhibición conmemorativa del arte en los años 20. Poco tiempo después, en Paris, en la Galería de Luxemburgo, se organizaba una retrospectiva de Tamara de Lempicka. La pintora del art decó era redescubierta muchos años después y rescatada del olvido.

También en el 2004 la Royal Academy of Arts, de Londres organizó una exposición y la hizo de nuevo famosa, como si fuera un espectro que surgía de los locos años veinte, de la Europa de entreguerras marcada por la depresión pero también por el cabaret y el gusto por la vida, y que recuperaba con ella la dulzura de los sentidos y la sensualidad y el erotismo de un arte que parecía ser moderno. Ha habido posteriores exposiciones de Tamara en Japón (2010), en Roma (2011), en París (2013) y en Turín (2015). A ver si la próxima tiene lugar en España.....

Descanso en México

Poco antes de morir, con 80 años, Tamara se traslada a vivir a Cuernavaca (México), al lado de su hija Kizette, que tras la muerte de su marido, cuidó de su madre. Dos años después, mientras dormía, la vida de Tamara se apagaba, el 18 de marzo de 1980 .

Siguiendo el deseo de Tamara, Kizette acompañada del escultor mexicano Victor Manuel Contreras (heredero de gran cantidad de las obras de la pintora) subió a su helicóptero y esparció sus cenizas en el cráter del volcán Popocatepetl (México).

Kizette se convirtió en Baronesa de Lempicka - Foxhall , reunió sus recuerdos y , con la ayuda de Charles Phillips , las ha publicado en forma de una biografía en 1987 : “La pasión por el diseño, el arte y obra de Tamara de Lempicka “.

Hoy conocemos con detalle la vida  de Tamara gracias a su principal biógrafa, Laura Claridge, que le dedicó una voluminosa obra de casi quinientas páginas en 1999 llamada Tamara de Lempicka: A Life of Deco and Decadence. 

Quedando relegada de las enciclopedias por no ser políticamente correcta, sus pinturas fueron clasificadas de porno blando. Ahora vale más un cuadro que lo que percibió en vida por los más de 500 que dejó. Casi toda su obra está en colecciones privadas, o privadísimas, pues se dice que existen además otros 300 cuadros más, pero en los catálogos no salen.
Su obra se encuentra en los museos de arte moderno más prestigiosos del mundo.

Y hasta aquí mi repaso por la intensa vida de esta gran artista TAMARA DE LEMPICKA.

ESCULTURAS URBANAS QUE TRANSFORMAN LAS CIUDADES

Las esculturas urbanas pretenden hacer mas bonitas algunas calles, además de dar un mensaje o invitarnos a reflexionar sobre ciertos aspectos de la vida.
Aquí os muestro quince esculturas urbanas  que, a lo largo y ancho del mundo, me parecen más llamativas y creativas del mundo. Desde luego que dan ganas de salir a recorrer el mundo para poderlas ver.Si has tenido la suerte de contemplarlas y te animas, puedes contarnos que te han parecido.


1. "Les Voyageurs" , Marsella, Francia.

Estos hombres incompletos, realizados por Bruno Catalano en bronce  se han convertido en emblema de la ciudad y símbolo de la figura del viajero. La ilusión óptica que crea esta figura “incompleta” con el mar crea una original armonía muy bella de ver. En el fondo, se trata de que el espectador se dedique a completar los espacios vacíos.

"Les Voyageurs". Marsella. Francia.

2. "Gente del río", Singapur

Esta escultura diseñada por Chong Fah Cheong, es otra gran ilusión óptica relacionada, de nuevo con el agua. En ella los niños parecen saltar al agua del río a modo de secuencia, el más cercano al agua, de hecho parece estar suspendido por completo en el aire, aunque, como es lógico tiene un apoyo entre su hombro y el pie de otro niño.

"Gente del río". Singapur.

3. "Monumento al transeúnte anónimo", Wroclaw, Polonia

Esta imagen, representa la marcha de aquellos que tienen que emigrar por miles de motivos de su tierra natal para labrarse un futuro o encontrar mejores condiciones de vida. El diseño es del cineasta y escultor polaco Jerzy Kalina. La verdad es que me parece una imagen de lo más triste, pero muy interesante.

"Monumento al transeúnte anónimo".Polonia.

4. "Araña", Londres, Reino Unido.

Delante justo del Museo de Arte Moderno, Tate Modern, esta enorme araña diseñada por Louise Bourgeois llama la atención de todos los visitantes del museo.

A muchos os recordará a su hermana gemela ( y mucho más cercana para muchos) llamada “Mamá” que saluda bajo sus patas a los visitantes de Bilbao, al lado del museo Guggenheim.

Araña. Londres.

Mamá. Bilbao. España.1999

Mamá (Maman), de casi 9 metros de altura, es una de las esculturas más ambiciosas de Bourgeois y pertenece a una serie inspirada en la araña.Las arañas, que Bourgeois presenta como un homenaje a su madre, que era tejedora, ponen de manifiesto la duplicidad de la naturaleza maternal: la madre es protectora y depredadora al mismo tiempo. La araña utiliza la seda tanto para fabricar el capullo como para cazar a su presa, así que la maternidad encarna fortaleza y fragilidad. Estas ambigüedades se ven intensamente reflejadas en esta Mamá gigantesca, que se sostiene ominosamente sobre unas patas que semejan arcos góticos y que funcionan al mismo tiempo como jaula y como guarida protectora de una bolsa llena de huevos que se encuentran peligrosamente adheridos a su abdomen. La araña provoca pavor y miedo pero su gran altura, sorprendentemente equilibrada sobre unas ligeras patas, transmite una vulnerabilidad casi conmovedora.


5.- "Libertad "  (Freedom) por Zenos Frudaki, Filadelfia.

Fabulosa escultura en bronce situada en Filadelfia, USA de Zenos Frudakis (1951), escultor figurativo cuyos trabajos incluyen retratos de individuos vivos e históricos y escultura poético-filosófica con sensibilidad postmoderna. En la actualidad, vive y trabaja cerca de Filadelfia.

"Intenté crear una escultura que casi cualquier persona, independientemente de su origen, pudiera ver y reconocer de inmediato que en ella subyace la idea de luchar por liberarse. Esta escultura trata de la lucha por la consecución de la libertad a través del proceso creativo", dijo su autor.

Esta me llama poderosamente la atención.

"Freedom" . Filadelfia.

6.-"Expansión " por Paige Bradley, New York, USA

Contaré la pequeña  (o gran) anécdota  sobre "Expansión" y es que mientras la artista Paige Bradley concluía la escultura, que representa a una mujer meditando en posición de loto, ésta se cayó y el destino que Paige tenía para la dama cambió por completo: decidió  mostrar que ante la destrucción, siempre existe una fuerza interna que permite la renovación. 

"Expansión" , la escultura rota, se ha convertido en un símbolo de la lucha contra los límites autoinfligidos que esconden la grandeza de todos los pensamientos. Refleja un equilibrio entre la serenidad y el caos, declaró Paige.

"Expansion". New York

7.- "De Vaartkapoen" , Bruselas, Bélgica.

La ciudad de Bruselas acoge obras de arte que buscan la complicidad del viandante y juegan con el humor y la cultura popular de Bruselas. El escultor bruselense Tom Frantzen, es un artista veterano en la decoración de las calles y siempre dotando a sus obras un toque de humor orientado al transeúnte.
Una de sus esculturas más conocidas es "De Vaartkapoen", palabra utilizada para designar a los habitantes de Molenbeek, haciendo referencia a los pícaros descargadores del muelle de este barrio junto al canal. La escultura representa a unos de estos jóvenes pícaros que aparece por sorpresa desde una alcantarilla y derriba a un policía, socavando así su autoridad, y dibujando con esta actitud la temática de la rebeldía. Pero también rinde homenaje a la figura del policía, uno de los conocidos personajes creados por célebre dibujante de cómic belga y creador de Tintín, Georges Hergé. ¿No me digáis que no vale la pena contemplarla?

"De Vaartkapoen". Bruselas. Bélgica.

8. "Library building", Melbourne, Australia

Brutal crítica al futuro que le aguarda a muchas bibliotecas y librerías, que ante tal aluvión de nuevas plataformas de consumo de la información y la literatura tienen que modificar sus espacios y salas si no quieren acabar, figuradamente como está esta biblioteca que, literalmente, se ahoga ante los viandantes de hoy en día.

Esta aparte de triste por la realidad que se avecina, me parece impactante.

"Library Building". Australia.

9. "Los zapatos del Danubio", Budapest. Hungría.

Dura escultura a los pies del Danubio, a su paso por la ciudad de Budapest,  creada por Gyula Pauer y Can Togay en el año 2005.. En esta escultura se representan, mediante estos zapatos (la mayoría de mujer) a las victimas del holocausto judío. En aquellos momentos los zapatos, de esos que ahora tenemos docenas en el armario, eran un bien preciado al alcance de pocos. Por ello, antes de asesinar a los judíos que llevaran calzado, se los quitaban para poder venderlos y sacar beneficio económico.

Esta escultura ocupa este emplazamiento porque fue un lugar clave, donde muchas personas perdieron la vida siendo lanzadas a estas aguas del Danubio. La historia, donde solo describo mínimas pinceladas, es bastante conmovedora.

"Los zapatos del Danubio". Budapest. Hungría.

10. Escena de la Primera Guerra Mundial, Eceabat, Turquía.

A priori puede parecer una escena sin más de la guerra sin mayor relevancia… pero, ¿qué dirías si te digo que esta escultura está realizada a tamaño real? impresiona, ¿no? Sentir el escalofrío de un momento de tanta tensión con hombres de bronce combatiendo desde las trincheras.

Escena de la Primera Guerra Mundial. Eceabat. Turquía.

11.-" Kelpies" , Grangemouth, Reino Unido.

La obra de Andy Scott  a 40 km. de Edimburgo, es una de las más grandes del mundo  para honrar y exaltar el papel tan importante de los caballos en la historia de Escocia, que tiraban de las barcazas a lo largo de los canales.

El nombre, enraizado en el folklor celta, hace referencia a un caballo acuático sobrenatural del que según cuentan acechaba en los ríos y lagos de Escocia.

A pesar de la fértil fuente de inspiración, el escultor Andy Scott crea una obra que cumple con una doble misión: ser un monumento a la industria y símbolo de la regeneración. "En vez de seguir la línea de los caballos marinos míticos y todas esas locuras escocesas, opté más por el legado de los caballos de trabajo y de nuestro pasado industrial y agrícola", dijo Scott.

Con 30 metros de alto y seis kilómetros de acero, la creación de los Kelpies duró siete años y 8 millones de dólares; en realidad forman parte de un proyecto más amplio ubicado entre Edimburgo y Glasgow con la esperanza de recibir más turistas.

Kelpies, Grangemouth, Reino Unido.

12.-"Metalmorfosis". Carolina del Norte, Estados Unidos

La escultura Cinética "Metalmorfosis", diseñada por el escultor checo David Cerny, es un gigante inoxidable sobre un espejo de agua que representa la cabeza de un gigante.

Es una escultura con una altura de 9.1 mts y un peso de 14 toneladas. Consiste en cerca de 40 capas de acero inoxidable agrupadas en 7 bloques que giran 360º de forma independiente como si fuera un gran Cubo de Rubik. Al girar se genera una metamorfosis y en un momento de la transformación, la alineación de los bloques forma la cabeza de un gigante por cuya boca fluye agua que cae hacia un gran espejo de agua sobre el que descansa la escultura, haciéndola parecer una fuente bella y moderna.

El nombre de Metalmorfosis surge de la unión de palabras metal-metamorfosis que hacen alusión al material con que está elaborada la escultura y al proceso por el cual un objeto cambia de forma. Esta obra de arte fue puesta al público en el 2007. El artista, David Cerny ha explorado en su trabajo, el incorporar la ingeniería mecánica y la programación, ya que el cambio continuo de orientación se debe a que sus capas giran gracias a un motor programado por un ordenador.

Como véis, la reflectividad es una ventaja que el acero inoxidable ofrece al diseño, ya que se pueden lograr superficies pulidas uniformes que reflejan el entorno con una impresionante fidelidad y belleza. Me parece preciosa.

"Metalmorfosis".Carolina del Norte.

"Metalmorfosis". Carolina del Norte.

13. "El Drac," Barcelona, España

Y ahora ya nos quedamos en España , en concreto en el Park Güell de Barcelona donde podemos contemplar el espectacular DRAC. Obra de Gaudí que ha sido reconocida como Patrimonio Mundial por la UNESCO.

"El Drac". Parque Güell. Barcelona.

14.- "El nadador". Santa Lucía. Gran Canaria.

Esta obra realizada por Francisco Pérez Betancor en 1999 se ubica en el municipio gran canario de Santa Lucía de Tirajana. Aplicando la teoría del campo expandido de Rosalind Krauss, la obra surge de la tierra y se esfuerza nadando en ella y entre todos los objetos que la rodean.

Consta de tres piezas, está realizada en armazón de hierro recubierto por hormigón de mármol y ocupa un espacio total de 60 m.

Me parece muy impactante.

"El Nadador". Gran Canaria.

15.-"Como una estrella"  de Eusebio Sempere en Alicante (España)

Y ahora ya llegamos a mi tierra, Alicante y voy a destacar una de mis preferidas, que no la única,  pues paso diariamente por delante de ella y cada día la veo diferente, según la luz que se refleje.

"Como una estrella".Alicante.

La escultura de Eusebio Sempere Como una Estrella, aunque también es conocida con el nombre de Estrella varada, situada en la plaza que lleva el nombre del pintor y escultor de Onil, en la rotonda que une las avenidas de Óscar Esplá y Maisonnave, me parece una de las más bellas.

Utiliza un dodecaedro regular del que salen varillas de acero cromado de 3 cm de diámetro, siendo las de la cara superior más largas. El conjunto está situado sobre un eje giratorio que coincide con uno de los ejes de rotación que atraviesan el dodecaedro por los centros de dos caras opuestas. La escultura fue realizada en acero cromado en 1978.


Espero que hayáis disfrutado del artículo y deseo veros pronto de nuevo por aquí.